아티스트명 Byetone으로 활동하고 있는 Olaf Bender가 지난 4월 10일 Wesa Seoul에서 한국 첫 공식 쇼케이스를 열었습니다. 독일의 실험적 미니멀리즘 전자음악을 대표하는 RASTER의 설립자이기도 한 Byetone은 감정이나 서사보다 형식, 구조, 알고리즘을 중요시하는 시각 음악 미학을 추구합니다. 이번 인터뷰는 RASTER의 정체성과 미학, Byetone의 전방위적인 예술 활동을 요약했습니다.

Interviewer: 박민천


Rastermusic을 1996년에 설립하기 전부터 우리는 우리가 진짜로 무엇이 되고 싶은지, 무엇을 할 수 있는지를 논의했습니다. 우리는 영국 음악뿐 아니라 미국의 흑인 음악에도 큰 영향을 받았어요. 하지만 단순히 그 음악을 따라 하고 싶지 않았고, 사실 따라 할 수도 없었죠. 당시 우리는 전혀 다른 환경에 살고 있었고, 예를 들어 마약 같은 것에 대한 경험도 없었어요. 동독에서는 그런 게 아예 구할 수조차 없었으니까요.

그래서 우리는 바우하우스, 정밀함, 엔지니어링, 이성적 사고 같은 독일을 대표하는 요소들을 메모해두었고, 그 안에서 우리가 정체성을 찾을 수 있겠다고 생각했어요. 이러한 개념을 레이블의 기본 원칙으로 삼았습니다: 다채로움을 최대한 배제하고, 객관성을 드러내며, 모든 것을 단순화하고, 감정에 기대지 않는 방향으로요.

또한 우리는 단순히 우리의 음악만 발표하는 게 아니라, 유사한 아이디어와 접근을 가진 국제적인 아티스트들의 네트워크를 소개하고 싶었어요. 책, 이미지, 영화 등 다른 매체와의 연결도 시도했고요. 우리 자신을 하나의 플랫폼으로 보는 개념 뒤에는 ‘아카이브’라는 생각이 있었죠. 현대의 사운드를 도서관처럼 보존하고 공유하는 것. 우리는 유행을 따르지 않으면서도 아티스트들과 장기적으로 협업하고자 했고, 초기에는 시리즈별로 통일된 레이아웃으로 발매하면서 하나의 코스모스를 보여주려 했습니다. 특정 아티스트만을 부각하지 않으면서요.

Q. Raster는 감정이나 서사보다 형식, 구조, 알고리즘을 중시하는 시각 및 음악적 미학으로 잘 알려져 있습니다.


우리는 모두 단순함을 선호했어요. 어쩌면 그건 우리가 독일인이기 때문일 수도 있죠. 우리는 모두 독학자였고, 당시 컴퓨터를 다룰 때는 많은 요소를 생략하는 것이 오히려 도움이 되었어요. 그래야 매개변수를 통제할 수 있었고, 무엇이 컴퓨터다운 사운드인지 탐구할 수 있었으니까요. 또 하나의 이유는 우리가 이념이나 설명에 지쳐 있었고, 추상적인 공간에서 훨씬 더 편안함을 느꼈기 때문일 거예요.

Q. Raster를 대표하는 아티스트들을 소개해주세요.


Grischa Lichtenberger를 소개하고 싶어요. 그는 부서진 듯한, 프랙탈 구조의 비트와 텍스처를 만들며, 클럽에서도 통하지만 동시에 책이나 작곡처럼 수많은 교차 참조가 담긴 작품처럼 들을 수도 있어요. 그의 피아노 앨범 Ostranenjie가 곧 Raster에서 발매될 예정입니다. 그는 시각 예술가이기도 하며 Raster를 대표하는 아티스트라고 할 수 있어요.

Uwe Schmidt, 일명 AtomTM도 있습니다. 그는 진정한 의미에서의 엔지니어이자 ‘음악 노동자’이며, 저와 같은 세대를 대표합니다. 그는 수많은 앨범을 만들면서 항상 먼저 어떤 주제나 정체성을 설정해요. 그것이 정치적이거나 전복적일 수도 있고, 기이하거나 낭만적일 수도 있죠. 하지만 항상 주제에 꼭 맞고 현대적인 사운드 디자인을 보여줍니다.

스위스 뮤지션 Milian Mori는 첫 바이닐 앨범 Triality를 곧 Raster에서 발매할 예정입니다. 그는 새로운 세대를 대표하는 인물로, 이전 Raster 앨범들을 많이 듣고 그것들을 흡수하고 재해석해 완전히 새로운 방식으로 표현하고 있어요. 특히 그는 프로그래밍과 사운드 디자인에 관심을 가지고 교육을 받은 세대를 대변하며, 오늘날의 도구들을 기술적으로도 완전히 다른 방식으로 다룰 수 있어요.

Q. Olaf Bender, 일명 Byetone 자신에 대해 말씀해주세요.


저는 항상 라이브셋에서 물리적으로 에너지가 느껴지길 원해요. 저는 비트를 사랑하고, 구성이나 디자인보다는 에너지를 전달하고 싶어요. 제 비주얼은 단순하며 명암과 빛을 활용하고, 사운드를 직접 빛으로 변환시키는 작업도 합니다. 기술 자체나 서사 요소보다는, 음악과 사운드가 하나로 녹아들되 음악 자체에 방해되지 않도록 하는 것이 중요해요.

Q. 음악 발매 외에도 AV 공연, 전시, 미디어 설치 등으로 활발히 확장해 왔습니다.


네, 제가 처음 컴퓨터로 음악을 만들기 시작했을 때, 이미지와 사운드를 결합하는 건 아주 자연스러운 일이었어요. 컴퓨터는 두 가지를 모두 처리할 수 있었고, 저 역시 둘 다에 항상 관심이 있었죠. 저는 이 종류의 음악이 밴드나 DJ 크루와는 전혀 다른, 고유의 미학을 가져야 한다고 생각해요.
저는 사운드를 시각적으로 변환할 수 있다는 사실이 늘 흥미로웠어요. 최근 몇 년 동안은 레이저 작업을 많이 했고, 사운드로만 제어되는 시스템을 사용해왔어요. 아주 단순하고 추상적인 방식이 만들어내는 숭고함에 저는 매료되었어요.

Q. 오랜 시간 전자음악 씬에서 활동하며 느낀 점이나 한국의 젊은 아티스트들에게 조언이 있다면요?


자신의 삶의 이야기를 기반으로 한 개인적인 음악 언어를 발전시키는 게 중요하다고 생각해요. 그래야 그 음악이 진정으로 당신과 연결되고, 그 언어를 통해 무언가를 전달할 수 있으니까요. 단순히 겉모습만 꾸미는 데 그치지 않고, 편안한 구역을 벗어나 위험을 감수하며, 끈기 있게 지속하는 태도가 필요해요.

Q. 마지막으로 전자음악 혹은 오디오비주얼 아트의 미래에 대한 생각을 들려주세요.


특별한 건 없어요. 기술적으로 가능한 모든 것을 사용하는 것이 중요한 게 아니라, 저는 각 세대가 자신만의 도구를 통해 자신만의 집단적 경험을 만들어나가는 것이 중요하다고 생각합니다.